The forty year old version: la vita comincia a 40 anni. A ritmo di rap

“Certe volte serve una storia”. E Radha ne ha una che non è niente male: la sua. Cinema allo specchio, molto mixato, autarchico, autoanalitico e infine terapeutico, «The forty-year-old version» è il debutto sincopato, identitario, esplicito e autoriale (e non solo per quel bel bianco e nero da «street photography» che fa molto Sundance, dove non a caso l'anno scorso vinse il premio come miglior regista) con cui la magnifica quarantenne Radha Blank entra nel gioco grosso mettendoci la faccia, provando a togliersi di dosso - con notevole e (sia sempre) benedetta autoironia - quell'aria da eterna promessa mancata, qualche chilo di troppo e un grande futuro dietro le spalle. C'è, in questo esordio ispirato, l'intimismo alla Cassavetes, frullato col primo Spike Lee (per il quale la Blank ha scritto e prodotto la serie «She's Gotta Have It») e con non poco Woody Allen: solo che questa non è la Manhattan di Gershwin, ma l'Harlem arrabbiata del rap. Di cui l'autrice sente e respira la jungle fever e fa la cosa giusta: raccontando con un sorriso agrodolce il proprio tempo per raccontare, principalmente, se stessa. E viceversa. Drammaturga in disarmo, lontana da tempo dalle scene dopo avere fatto sperare una decina di anni prima in una gloriosa carriera, Radha, allergica ai compromessi, sta malapena a galla insegnando teatro in una scuola: all'affannosa ricerca di qualcuno che metta in scena il suo ultimo copione (troppo «black» per la società bianca), prova a riscattarsi scrivendo in rima la sua frustrazione, reinventandosi, grazie alle basi di un dj che sembra capirla, cantante hip hop fuori tempo massimo. Gentrificazione, elaborazione del lutto, pornografia della povertà: smascherati con violento umorismo gli stereotipi sia di genere che di razza che affliggono il presente, la Blank va in cerca della sua vera voce, trasformando la sua combat music nel manifesto sociale e politico di chi non è un personaggio in cerca d'autore, ma un'autrice in cerca di se stessa. Firmando un debutto-bilancio che insieme è partenza ma anche arrivo, approdo: nonché la conferma che il futuro (forse anche quello del cinema) è donna.

Hungry hearts, il film-catarsi di Costanzo

Prende in prestito il titolo a una canzone di Bruce Springsteen (ma fa quasi scattare l'applauso quando spara a tutto volume il tema di <Flashdance>...) e dice di essersi ispirato a Cassavetes (<al suo approccio un po' spregiudicato, ribelle>): ma di fatto è decisamente più bravo che presuntuoso. Anche perché giunto al quarto film, Saverio Costanzo dimostra di possedere una spiccata e per nulla banale personalità sia dal punto di vista formale che da quello narrativo, realizzando con <Hungry hearts> una pellicola soffocante e opprimente, disturbante e <malata>: un insolito approdo, o se preferite un'isola (in)felice, in un cinema italiano che al contrario cerca a ogni piè sospinto (e ad ogni costo) di piacere.

Partito benissimo - complice una ripresa a macchina fissa claustrofobica (che poi è la condizione di tutto il film), agitata e divertente, con i due protagonisti (ancora perfetti sconosciuti) che cercano di uscire dal bagno del ristorante dove sono rimasti chiusi -, <Hungry hearts>, che trasforma in breve tempo la spensieratezza iniziale in paranoia metropolitana fino a toccare atmosfere da horror dell'anima, racconta a <strappi> (con quei quadri separati da dissolvenze al nero che raccontano molto anche senza dire) la storia di una giovane coppia - lui americano e lei italiana -, che aspetta un bambino. La madre però sin da subito vive in maniera ossessiva il rapporto con il piccolo: e convinta di fare il suo bene non gli dà da mangiare carne e non lo espone praticamente mai alla luce del sole...

In una New York mai così poco attraente, un film che sta sempre addosso ai suoi personaggi - prima privilegiando inquadrature molto strette, poi attraverso riprese deformate - in un crescendo angosciante in cui il regista italiano coglie l'incubo molto contemporaneo di una <purezza malata>, lavorando di nuovo su temi a lui cari come la trasformazione del corpo, il rifiuto del cibo, l'isolamento, l'autolesionismo.

Tratto da <Il bambino indaco> di Marco Franzoso, girato in modo istintivo per non avere il tempo né la voglia di giudicare nessuno dei suoi personaggi, <Hungry hearts> è un film-catarsi (<volevo guardarmi con più amore e tenerezza>, ha spiegato Costanzo) potente e spigoloso dove i due bravissimi interpreti principali – Alba Rohrwacher e Adam Driver (divo della serie tv <Girls> e prossimo protagonista del nuovo <Guerre stellari> e dell'ultimo film di Scorsese) -, entrambi premiati con la Coppa Volpi a Venezia, diventano i complici perfetti di un regista che a ogni inquadratura sembra volersi (e forse volerci) mettere alla prova.