No time to die: l'ultimo giro in giostra di 007

‌‌‌Ci sono due cose che dovete sapere subito sull'ultimo 007: la prima è che si tratta di un film pieno di sorprese, alcune davvero clamorose. La seconda è che non ne scoprirete nessuna leggendo questo articolo: perché Bond appartiene alla cosmogonia del cinema, è sacro. E non si può (e non si deve) spoilerare. Ma di certo va detto che è valsa la pena attendere mille e più rinvii a causa di una pandemia più crudele e arrogante della Spectre: perché l'ultimo giro in giostra di Daniel Craig, per la quinta volta nei panni dell'agente segreto di sua maestà, ha un effetto tellurico capace di rimettere in discussione l'intera saga, di ripensarla da capo. Così come il «Casino royale» del 2006 ha rappresentato il felice e coraggioso restart che ha dato nuova linfa a un personaggio a rischio agonia, «No time to die» chiude il cerchio e cambia in corsa le regole del gioco, non solo portando il nostro amico James a una dimensione più sentimentale, quasi familista, ma riscrivendo, fatti salvi, of course, smoking d'ordinanza e Vodka Martini agitati e non mescolati, i codici narrativi e il destino di un eroe chic che da quasi 60 anni ha la licenza di uccidere e di farci divertire. E allora giù come i pazzi tra i Sassi di Matera, sparando a qualunque cosa si muova nella Cuba post Fidel, oppure fingendo di annoiarsi in un buen retiro targato Giamaica: là dove il «passato non è morto» è sempre più difficile immaginarsi anche un futuro. Ci prova Cary Fukunaga (quello del primo, bellissimo, «True detective»), primo americano a dirigere un film della saga ufficiale (giunta al 25° episodio) che immagina uno 007 in «pensione» e lontano dai guai: peccato siano a loro che lo vengano a cercare. In ballo c'è un'arma di distruzione di massa, un virus subdolo (allegria...) che può condannare l'umanità alla morte o (il contatto è letale...) alla solitudine: per Bond è tempo di rimettersi in gioco. Girl power, depistaggi, fuori strada e altrettanti fuori programma: dopo una prima parte a tutta action, «No time to die» scala un paio di marce e sulle note roche di Billie Eilish coglie fragilità e amarezza di un mondo costretto al ridimensionamento. Riesumata la nostalgia, non c'è addio facile da dare: e se il cattivo stavolta non è particolarmente all'altezza (Rami Malek, il Freddie Mercury del film sui Queen) e il regista patina in maniera sin troppo accentuata le sequenze sentimentali, pazienza. «E' una bella vita, non è vero?». «La migliore».

Tre piani, con Nanni Moretti nel condominio della vita

Favorisca i sentimenti. I detrattori dicono che sia invecchiato, che col tempo abbia perso grinta, smalto: e qualcuno addirittura, uscendo, si domanda cosa gli sia successo. Eppure non c'è stanchezza, e noia neppure, in quel suo sapere cogliere l'equilibrio fragilissimo delle cose, il caos calmo di un'epoca smarrita. E' vero, manca l'ironia: ma nel mettere ordine tra quello che non cambia mai, prima che sia tutto diverso, ci sono le tracce di un film doloroso eppure aperto alla vita, alla pietà, un film sul perdonare e sul perdonarsi, un film sulla difficoltà (tra marito e moglie, tra padri e figli, tra fratelli...) di comunicare, di ritrovare la lingua perduta o resa vana degli affetti. Mette in scena un'umanità logorata, sola, prigioniera delle sue ossessioni, Nanni Moretti, che chiude il mondo su soli «Tre piani», per raccontare, con un'amarezza che non cede alla disperazione, le vicende destinate a intrecciarsi di alcune famiglie che abitano nello stesso condominio. Attraversato dal disagio, dal malessere, dal dubbio, «Tre piani», costruito su tre differenti movimenti (ognuno separato dal successivo da 5 anni), è un film fatto di abbracci e separazioni, di colpe e di accuse infondate, di assenze e di incomprensioni: uno spaccato borghese corale e polifonico che il regista di «Caro diario» ha tratto dall'omonimo romanzo dell'israeliano Eskhol Nevo, spostando l'azione da Tel Aviv a Roma, esaltandone gli elementi universali come la responsabilità delle scelte, il senso di giustizia, la responsabilità di essere genitori. Il tutto muovendosi verso l'incontro, la riappacificazione, un senso di comunità che credevamo perduto. O di cui pensavamo di non avere bisogno. Un film, «Tre piani», che ha un inizio folgorante (come una frustata) e poi paga una certa disomogeneità nella recitazione (cast di tutte stelle: oltre allo stesso Moretti, la Buy, molto brava, la Rohrwacher, Scamarcio e tanti altri), ma soprattutto alcuni passaggi non completamente a fuoco (è la prima volta che Moretti non utilizza un suo soggetto, e si vede) o comunque non sfruttati a dovere, della sceneggiatura. C'è, di fondo, un problema di intonazione: eppure resta profondo lo sguardo e il disincanto di un autore che sa che il futuro - ma pure il presente - è donna e come pochi conosce e sa raccontare la debolezza e la precarietà di quello che siamo.

Dune, sabbia e passione: Villeneuve sfida la maledizione

Di metallo, di sabbia, di roccia, di avidità e di ambizione: oltre che, ovviamente, di sangue. Arriva nelle sale così come era sbarcato - in un'attesissima anteprima mondiale andata subito sold out - a Venezia: con quel passo marziale che solo certi film possono permettersi il lusso di mostrare con orgoglio: consapevoli della grandezza della sfida, capaci di essere all'altezza del loro stesso destino. Prima parte, da 165 milioni di dollari, di una saga che si annuncia affascinante e suggestiva, «Dune», fanta kolossal di Denis Villeneuve (il regista di «Arrival» e «Sicario»: ma per l'amor di dio andate a rivedervi anche «La donna che canta»...), affronta l'ultra complesso e attualissimo mondo creato (in sei romanzi) da Frank Herbert con cui si erano già scottati, anni addietro, David Lynch (che pure, tra molti problemi, ne tirò fuori un cult) e Alejandro Jodrowsky, che invece non riuscì a farne nulla.. Materia sabbiosa che sfugge per definizione dalla presa, «Dune», che il grande regista canadese (uno che non ha avuto paura nemmeno di misurarsi con il monolite «Blade runner») trasforma però in un'esperienza cinematografica sontuosa, in particolare dal punto di vista visivo, donando prepotente profondità espressiva alla costruzione di un immaginario a cui è difficile resistere, oltre che perfettamente inutile. In universo sul baratro di una guerra santa, dove la ricchezza e il potere si basa sulla ricerca della Spezia, la materia che permette di compiere i viaggi interstellari, la casata degli Atreides viene inviata a governare Arrakis, il pianeta inospitale dove viene estratto il prezioso elemento... Nell'attesa di un messia che non sa se vuole essere tale, il film segue le visioni di un giovane eroe pallido e tormentato, nella certezza che anche l'eletto ha molta strada da fare. Appassionante ed epico, «Dune» (che nell'idea del regista dovrebbe essere una sorta di «Star Wars» per adulti) non lesina sugli effetti speciali, non inseguendo però una spettacolarizzazione di concetti alti fine a se stessa, ma piuttosto investendo risorse e creatività in un decor ricercatissimo - sia in interni che negli assolatissimi esterni - la cui potenza è sottolineata da una colonna sonora (di Hans Zimmer) che (come spesso accade nel cinema dell'autore canadese) invade lo schermo coi suoi bassi inquietanti. Un altro, importante, tassello - dopo «Arrival» e «Blade runner 2049» -, nella riflessione sulla fantascienza esistenziale condotta senza rete da Villeneuve, che qui, cosa di non poco conto, si avvale anche di un cast oltremodo glam ed «eccitante»: dal protagonista Timothée Chalamet a Zendaya, da Oscar Isaac alla bellissima Rebecca Ferguson, da Javier Bardem a Josh Brolin. Stelle di un cielo color sabbia.

Il "caro" diario di Nanni Moretti: confessioni di un regista sul palco

‌‌«Spesso penso che non ho grandi capacità per questo mestiere, non credo di avere un grande talento». E ancora: «Non sono pronto a girare: ho pensato di non presentarmi sul set». Ma anche: «Quando mi vengono in mente delle idee di regia mi stupisco». Dubbi, incertezze, paure di un grande maestro che in privato, nel segreto del suo (caro) diario si dà del dilettante. Anche se è amatissimo, anche se unisce, come pochi, generazioni diverse, anche se ha fatto film come «La messa è finita» e «La stanza del figlio». Anche se si chiama Nanni Moretti. C'è il grande racconto, anche interiore e intimo, di quella follia (o miracolo, se preferite) che è fare cinema nello spettacolo, bellissimo, divertente, emozionante, che il regista di «Tre piani» (in sala dal 23 settembre) ha portato all'arena dell'Astra, mettendosi a nudo come mai prima nel leggere - senza rete - i diari, privati e inediti, scritti durante la lavorazione di uno dei suoi film-culto, «Caro diario», del '93. E da cui esce il Moretti che non ti aspetti, con le sue fragilità, i mille e più intoppi, le notizie che tolgono l'entusiasmo, «che peraltro non c'era neanche prima»: una sorta di confessione liberatoria, ironica e sincera, che ha conquistato il pubblico dell'Astra, sold out da giorni per questa serata speciale, in un certo senso straordinaria - promossa dall'Astra con 24 Fps in collaborazione con Fice Emilia Romagna per la rassegna Accadde Domani - che ha visto Nanni solo in scena, vestito di scuro, un palco spoglio, le note, meravigliose, di Keith Jarrett che sul finale si sono fatte strada. Un'ora per rievocare il parto, sempre complesso, di un grande film, non prima di lasciare al pubblico (che alla fine ha fatto gara per strappare e portarsi a casa le locandine di «Caro diario»...) alcune doverose raccomandazioni: «Sono felice di essere qui, quindi per piacere non filmatemi, non fotografatemi, non postatemi, non taggatemi e non condividetemi: non voglio essere condiviso». Per poi, prima di cominciare, fare anche un'altra precisazione: «Ho eliminato tutti gli insulti ai collaboratori, ma ho lasciato tutti quelli a me stesso: non vale, non è giusto...». Non ha tutti i torti Moretti, perché davvero non si risparmia niente: mette in piazza (pardon, in arena) le sue fobie, le presunte inadeguatezze, l'insicurezza di chi fino all'ultimo confessa a se stesso «Non so se ho voglia di farlo questo film: speriamo che la Rai non trovi i soldi». Cercando disperatamente vie di fuga che non ci sono, o magari attaccandosi al telefono per convincere l'amica produttrice a fare Roma-Panarea-Francoforte in meno di 24 ore perché «la scena è monca». Ma soprattutto rimpiangendo la leggerezza di quei «filmini Super 8 che facevo a 20 anni». Poi si va: ma «comincio il film senza esser pronto». Segue quindi, l'odissea, anche comica di un set, tra scene ripetute 43 volte, inutili campi lunghi, elicotteri che ti portano dentro a un vulcano. Ma nulla basta a sentirsi alla pari - «davanti a lui sono uno zero» - di Edgar Reitz, il regista che quell'anno riempie i cinema d'essai con il capolavoro «Heimat 2». Ma si va avanti, tra la lettera mai spedita ai dirigenti del Pds, travolti da Tangentopoli, e le liti con Renato Carpentieri, già membro per 5 lunghi anni di un misconosciuto movimento stalinista e maoista: e pazienza se non si fa in tempo ad andare a Venezia. Però peccato: «Ho appena comprato una camicia a scacchi che mi piace molto». La leucemia (e quel sorriso in ospedale...), quella sequenza della nave che arriva da Alicudi, le musiche che non vanno bene; tra molte difficoltà il film viene finito: «Non è brutto ma nemmeno bello». Ma ci sono ancora gli ultimi tagli da fare, mentre ci si mette in fila al Teatro 5 per dare l'ultimo saluto (e qui il racconto di Moretti si fa più commosso, più denso) a Fellini. Il film finalmente esce, ha un'ottima accoglienza, ma c'è la tortura delle domande del pubblico, «che non capisco mai». Pubblico che qui però applaude, forte e a lungo. Prima dei saluti e delle raccomandazioni: «Fate attenzione e buona fortuna».

A declaration of love: l'America di Speroni

È' stato condannato a morte per un crimine che non ha mai commesso. E per il quale ha scontato 22 anni in una prigione sotto terra, senza finestre, senza mai vedere la luce del sole. Lo hanno sepolto vivo in un pozzo senza fondo dove ogni giorno ti sembra di affogare: poi, dopo essersi accorti dell'errore (ma non dell'orrore), lo hanno liberato senza nemmeno chiedergli scusa. Lasciandolo in pasto a un mondo che non l'ha accettato: e da cui Curtis McCarty, simbolo vivente dell'altra faccia - quella guasta, marcia e piena di demoni - dell'America è fuggito, si è, volontariamente o meno, allontanato, eclissato. Non prima però di raccontare la sua storia - e testimoniare il suo strazio e la sua sconfitta - a un regista parmigiano, Marco Speroni, una partecipazione al Festival di Locarno (con «Cosa c'entra con l'amore»), molta tv e tanti documentari potenti, spesso a sfondo sociale, alle spalle. Che ora con «A declaration of love» ha girato un film intenso, toccante e dolorosissimo che il 7 giugno passerà al Biografilm di Bologna.

Come hai incontrato la storia di Curtis?

«Per caso: avevo in mente tutto un altro film, un film sui diritti umani e per questo sono andato alla Comunità di Sant'Egidio. Mi hanno aperto un mondo: quello legato alla pena di morte. Ho cominciato a incontrare persone incarcerate ingiustamente, vittime di errori giudiziari: tutti, in un qualche modo avevano trovato un loro, pur precario, equilibrio. Poi mi hanno parlato di Curtis, uno sbandato, un homeless. E a me questo più di tutto interessava: raccontare la storia di chi non ce l'aveva fatta».

Come sei riuscito a metterti in contatto con lui e convincerlo ad aprirsi in modo così emozionante con te?

«È stata un'avventura, l'ho trovato in modo rocambolesco. Curtis ha solo due cose a cui tiene e da cui non si separa mai: un vecchissimo portatile e una macchina fotografica con cui ha fatto scatti crudi ed estremamente potenti (immagini davvero straordinarie che il film mostra, ndr) dei suoi amici tossicodipendenti. A volte passava la notte in quei locali molto tristi e cheap che in Usa sono aperti 24 ore su 24 e in questo modo riusciva a connettersi col mondo. L'ho contattato su Messanger e mi ha dato un appuntamento. Sono praticamente partito alla cieca per Oklahoma City col direttore della fotografia Riccardo Russo: ci aveva dato appuntamento in un parcheggio nel sobborgo deprimente e desolato dove ha sempre vissuto. Abbiamo aspettato tre ore, invano. Eravamo lì lì er andarcene poi ho deciso di fare due passi intorno: a un certo punto in fondo a un prato, in lontananza ho visto una specie di fagotto, una sagoma. Era lui, ripiegato sul suo zaino, che dormiva profondamente: quando si è svegliato e ha capito chi ero ha abbassato gli occhi. Mi ha straziato il cuore vedere un uomo di 56 anni vergognarsi perché l'avevo visto in quelle condizioni. Lo abbiamo portato in una safe house: dove abbiamo girato lungo l'arco di sei giorni l'intera intervista, poi montata da Federico Schiavi, che è anche il produttore del film».

In «A declaration of love» usi soprattutto il primissimo piano durante l'intervista e movimenti molto lenti e calibrati negli esterni, spesso crepuscolari. Ci racconti il perché di queste scelte stilistiche, tra l'altro molto efficaci?

«Volevo catturare l'emozione: il primissimo piano è qualcosa che ti mette in un contatto fisico e intimo con la persona che hai davanti. Credo che coinvolga anche di più il pubblico. Con il primo piano così stretto, indagatore volevo restare attaccato a ogni sfumatura emotiva, a ogni lacrima, a ogni pausa, a ogni smorfia di Curtis. Mi interessavano le sue rughe, le sue espressioni, i suoi stati d'animo. Poi c'è il secondo protagonista del film, che è la città: la sua città, quella vista coi suoi occhi. Lui è sempre rimasto lì, in quel sobborgo: non ha visto altro che quello, non è nemmeno mai andato a downtown, ti rendi conto? Sono stato tante volte negli Stati Uniti per lavoro, mi sono mosso da persona privilegiata, ma mi sono accorto che avevo una percezione distorta dell'America. Che è anche quel posto qui, dove in ogni casa c'è un'arma, esiste un razzismo e un fascismo radicato e profondo e tutti sono a favore della pena di morte».

In effetti questo alla fine non è solo un film su Curtis, sulla sua devastante e emblematica parabola umana, ma anche sull'America...

«Non si può tacere il fatto che gli Usa abbiano serissimi problemi con il loro sistema giudiziario e carcerario. Curtis è stato condannato tre volte: la prima da un tribunale a causa di prove contraffatte, la seconda dalla società che lo ha rifiutato impedendogli di reintegrarsi e la terza nuovamente da un tribunale che gli ha dato 10 anni - il massimo della pena - per una cosa ridicola, possesso di metanfetamine, nonostante tutto quello che gli era già successo. Non volevo però fare della sua storia un manifesto contro la pena di morte né riaprire il suo caso: a quello ci pensa già lui. Con la sua sofferenza e il suo strazio».

Che ci commuove. E al tempo stesso solleva la nostra indignazione verso un sistema che non ha pietà per i vinti.