Euforia: la Golino e il pezzo mancante del puzzle

Dopo l'esordio, convincente, con <Miele>, ancora un film sulla morte, che però è un film sulla vita: ha una complicità naturale, un'empatia senza artifici, la pazienza e la curiosità di chi nel puzzle lascia sempre un pezzo indietro, <Euforia>, il secondo film da regista di Valeria Golino. Che ha qualcosa di Ozpetek, ma anche una sensibilità propria fatta di vigliaccherie di tutti i giorni, di rinunce, di conti lasciati troppo tempo in sospeso. Un film che la Golino perde e ritrova, e a cui si abbandona con coraggio attraverso una scioltezza narrativa che esalta - complice anche la brillante e non scontata alchimia che si crea tra Scamarcio e Mastandrea - il rapporto tra i due protagonisti: Matteo, un uomo di successo, dinamico omosessuale col culto del corpo, e suo fratello Ettore, professore alla medie, insoddisfatto, incupito. E soprattutto ignaro che sta per morire. Anche perché Matteo non ha avuto il coraggio di dirgli la verità… C'è, in <Euforia>, la fragilità dell'essere famiglia, la voglia, il desiderio di (ri)scoprirsi: e un bel modo di raccontare, di sussurrare gli inciampi, le stanchezze, i risentimenti. Forma e sostanza di parole smozzicate dietro al finestrino di un treno in partenza, quando forse è già troppo tardi per tutto.

Marguerite, la donna che canta. Malissimo. (ma il film è bello assai)

Era appassionata, ostinata, sicura di sè: amava il palco e Verdi, Wagner e Bizet per lei non avevano segreti. Sì, aveva tutto per essere la più grande soprano della Storia: peccato che fosse terribilmente - seppur <divinamente> - stonata...

E' un personaggio bellissimo, tragico e meraviglioso, di sublime, sfrontata, ma inconsapevole mediocrità, appassionato e indifeso, travolgente e unico, quello del film bello e crudele che il francese Giannoli (tenetelo d'occhio, ha fatto cose molto belle e poco conosciute come <Corpi impazienti> e <A l'origine>) ha girato come un'opera lirica in cinque atti, raccontando la storia incredibile (ma vera) di una ricca nobildonna innamorata della musica che (soprattutto per attirare l'attenzione di un marito <distratto>) si esibì come soprano senza che nessuno avesse mai il coraggio di dirle che la sua voce era orribile.

Ispirata a fatti realmente accaduti (Giannoli si limita a trasferire l'azione dall'America degli anni '40 - dove si esibiva la terribile Florence Foster Jenkins, a cui darà stridula voce Meryl Streep in un biopic prossimo venturo di Stephen Frears - alla Francia dei ruggenti anni '20), grande, e originale (nei contenuti se non nella forma) riflessione sul talento (anche quando non c'è) e sull'arte, che è l'unica <realtà> in grado di andare oltre ogni ipocrisia, <Marguerite> mette in scena la grande farsa dell'aristocrazia, il patetico teatrino della menzogna perbenista, trasformando il canto inascoltabile di quella donna troppo sola in un grido di libertà capace di squarciare non solo i timpani ma anche il paravento di un mondo che vive solo di convenzioni.

C'è qualcosa di potente, di complesso e di rivoluzionario in quel suo grottesco fallimento annunciato: la condanna del desiderio (<non si bara con la musica, se no lei si vendica>) e la fragilità dei sogni certo, ma anche, soprattutto, la necessità, ineluttabile (comune a tanti, forse a tutti), delle illusioni.

Interpretato da una bravissima Catherine Frot (che avrebbe meritato la Coppa Volpi di Venezia almeno quanto Valeria Golino), la pellicola – che vi invita a tapparvi le orecchie ma a lasciare spalancata la porta del cuore - mette dentro alla storia un po' troppi personaggi di contorno (che restano sfumati) e dura una ventina di minuti in più (nonostante Giannoli abbia in corso di montaggio sforbiciato molto) del necessario: ma resta un film di grande spessore, di forza forse incompresa. Anche perché prima che il palco diventi patibolo coglie la scomoda verità di un inganno universale.

"Il nome del figlio": la parola attore esiste

Metti una sera a cena: il film che visse tre volte (la prima a teatro, poi al cinema - in una premiata pellicola francese -, e ora infine in questo godibile remake made in Italy) è un flipper impazzito di frustrazioni, di bugie, di delusioni, come certi giorni che «ti impapocchiano i pensieri», tra bimbi dai nomi assurdi (tipo Pin, che pensi sia un ex centrocampista del Parma e invece è un omaggio a Calvino), musicisti in remata che lavorano su versioni jazz delle canzoni del Califfo, figli di papà che sfoderano magnum di champagne e fidanzate (molto) più giovani e il suv lo parcheggiano nel posto riservato ai disabili.
«Eroi» (si fa per dire) dei nostri tempi, che si tatuano mezzi cuoricini e nemmeno hanno tempo di andare ad aprire la porta per non perdersi l’ennesimo retweet; specchio e spaccato di un’epoca ipocrita, egocentrica e innamorata di se stessa: che se però si piange addosso è solo per poi ritrovare un sorriso, un modo (magari sulle note di Lucio Dalla) di ripartire.
Fratello e sorella di ottima famiglia, il marito di lei e la ragazza (coatta e incinta) di lui, più un amico di infanzia: una serata come mille. Che invece sarà diversa da tutte le altre...
Saporita e pungente commedia corale in bilico tra passato e presente, il nono film di Francesca Archibugi guarda a «Carnage» (ma con molta più tenerezza che cinismo) muovendosi tra grandi segreti e scherzi crudeli togliendosi di dosso, grazie a un ritmo disinvolto, un’ovvia teatralità. Certo, il meccanismo è già noto (dal confronto adolescenza/maturità alla cena come resa dei conti o gioco al massacro) e c’è a tratti nell’impiattamento della regista di «Questione di cuore» una certa maniera borghese: ma è indubbio che la pellicola è vitale, anche nel suo saper ferire. E nella messa a nudo di ogni debolezza, «Il nome del figlio» rivela la vocazione da film d’attori, scatenando una bella jam session di interpreti ispirati (dalla Ramazzotti alla Golino, da Papaleo a Lo Cascio): una gara di bravura dove primeggia Alessandro Gassman. Uno a cui, alla luce delle ultime prove, bisognerebbe chiedere scusa.