Chiamatelo Francesco: il Papa che venne dalla fine del mondo

<Da che parte stai prete?>. <Da quella di Gesù>.

Chiamatelo Francesco: il missionario mancato, il gesuita che ubbidiva solo agli ordini della sua coscienza, il sacerdote degli ultimi esiliato a dare speranza dove a regnare era solo la disperazione. Ma anche il tifoso del San Lorenzo, lo studente timido e fidanzato, il Papa che viene <dalla fine del mondo>. Lo ha girato un laico mettendosi nei panni di chi crede, evitando il santino ma cercando invece l'uomo, il film (quasi un instant movie) su Jorge Mario Bergoglio, il vicario di Cristo che mangia in mensa come uno di noi e salda i conti negli alberghi dove ha alloggiato. Non tanto il Papa del sorriso quanto, nella seria ricostruzione di Daniele Luchetti, un'anima inquieta, accigliata, per il destino spesso amaro dell'umanità, un uomo di Dio interessato e coinvolto dal prossimo suo che si caricò sulle spalle le preoccupazioni del mondo: e con fede, coraggio e compassione affrontò, per lenirle, ingiustizie tragicamente terrene.

Pensato inizialmente per la tv (la matrice è chiara e non a caso sul piccolo schermo ne verrà trasmessa una versione di 4 ore in due puntate), <Chiamatemi Francesco> ha il merito di preferire la dimensione realistica e storica del personaggio Bergoglio a quella agiografica o retorica, facendo un ritratto molto umano, informale, vicino, intimo, di un Papa costretto (ben prima di giungere al soglio di Pietro) a lottare tutta la vita con il sistema, con i lacci e i nodi del potere, che fosse quello – feroce – dei militari o quello del denaro, la speculazione edilizia piuttosto che una Chiesa che preferiva fare finta di non vedere né sentire.

Dall'Argentina del dopo Peron agli anni terribili e infernali della dittatura (il cuore del film), alle messe celebrate nelle baraccopoli tra galline e maiali all'ultimo conclave: utilizzando due interpreti (Rodrigo De la Serna, molto intenso, è Bergoglio da giovane mentre Sergio Hernandez è il Papa poco prima dell'elezione), Luchetti segue in maniera lineare (sin troppo, a tratti) più di mezzo secolo di vita di un uomo incapace di omologarsi. Il film è puntuale, convinto, corretto, coerente: se mai, il limite è nel volere raccontare (per quanto con un piglio a sprazzi autorale) in modo convenzionale un personaggio <rivoluzionario>. Che appare più forte e appassionato, nella sua verità, di qualsiasi riduzione cinematografica.

La felicità è un sistema complesso: Mastandrea tra dolore e leggerezza

E' un bel soggetto Gianni Zanasi: uno che arriva dalla patria delle ciliegie (Vignola, Modena) e si porta dietro una faccia da fumetto di Pazienza. Uno di quelli li', che sembrano sempre entrati a meta' del secondo tempo. E, tra le altre cose, ti gira un film (bello) come <Non pensarci> da cui fanno pure una serie quando ancora non andava di moda: e poi per rimettersi dietro la macchina da presa ci mette 7 anni, per non dire 8.

Che lo guardi e fa fatica a non starti simpatico: perché e' davvero un po' senza difese come il suo cinema. A cui finisci per volere bene senza sforzo perché e' empatico, vitale, privo di lacci. Pieno di freschezza e di energia, anche se imperfetto. Ma forse più per generosità che per difetto.

E' il caso anche de <La felicità è un sistema complesso>, commedia seria che nasce e muore agrodolce in cui il cinquantenne regista emiliano segue le tracce di Enrico Giusti, manager di un grande studio specialista nel convincere giovani e scellerati capitani di industria a cedere le loro aziende prima di un inevitabile tracollo, prima che sia troppo tardi per tutti, dipendenti compresi. Due incontri pero' fanno vacillare le sue certezze: quello con una giovane e spaesata israeliana, che gli molla in casa l'inaffidabile fratello minore, e un secondo con due ragazzini, orfani ed eredi di un grande imprenditore...

Nel Paese <in cui non e' mai colpa di nessuno>, dove tutti hanno perso qualcosa o qualcuno, un film con la faccia pulita che, tra profitto e etica, misura l'inconfessato smarrimento di un protagonista irrisolto dei nostri giorni, <salvatore> di professione che non sa salvarsi da solo. Un percorso esistenziale a tratti anche molto divertente quello <La felicità è un sistema complesso>, che ha dentro un misto di dolore e leggerezza, di rancore e tenerezza: un film che ti permette di dare del tu a tutti i personaggi e magari anche di andarci a prendere l'aperitivo fuori, anche se non immune da sbavature, da qualche scarto. Come una certa insistenza negli inserti surreali, l'eccessivo ricorso alle canzoni, qualche momento che sembra affetto da autocompiacimento. Piccole note stonate ricucite e restituite al tutto da un gruppo di interpreti molto complice e in palla, a partire da un Valerio Mastandrea sempre più bravo, dall'imprescindibile Giuseppe Battiston, ma anche dall'israeliana Hadas Yaron che, miglior attrice alla Mostra di Venezia nel 2012 per <La sposa promessa>, si lascia catapultare da un altro mondo nella folle <banda Zanasi>.

A bigger splash: nella piscina di Deray, Guadagnino rischia di affogare

Corpi impazienti sotto il sole di Pantelleria, tra Verdi e i Rolling Stones, Bertolucci e Antonioni (e Rossellini...), un film cult (e hot, per i tempi) di Deray (<La piscina>, di cui questo è un <non remake>) e i quadri di Hockney: mentre lo scirocco soffia incessantemente sulla pelle del desiderio e le rockstar restano senza voce. Un'isola, un'estate, la ricotta, i migranti, qualche vecchio vinile: e due uomini e due donne (una grande cantante e una lolita) - strumenti di seduzione, armi non convenzionali di una guerra non dichiarata - che faticano a comunicare o che forse hanno solo perso la voglia di farlo.

Fischiato all'ultima Mostra di Venezia nella proiezione riservata ai giornalisti, nato per dividere, <A bigger splash>, il film che Luca Guadagnino ha realizzato dopo il successo americano di <Io sono l'amore>, è una pellicola dai molti padri, girata con personalità forte, un'idea di cinema non sottomessa e stile rock, sexy, da un regista che però ci crede molto (ma molto...) e rischia di confondere l'ambizione con la presunzione, buttando via una storia di pulsioni vecchie e nuove nell'ultima mezz'ora quando l'energia e l'elettricità della prima parte cala e l'intreccio, nonostante non pochi virtuosismi, si sgonfia. 

E' un film che si piace troppo sin da subito però <A bigger splash>, mosso, in questa sua rappresentazione, ironica e insieme drammatica, delle <politiche del desiderio>, più dal <Falstaff> che da Mick Jagger: Guadagnino sa fare parlare gli spazi, lavora bene sui corpi, ma resta in fragile equilibrio tra facili simbolismi e personaggi (il carabiniere) inutili o sbagliati. E il cast super cool (in cui Ralph Fiennes gigioneggia alla grande), alla fine, sembra divertirsi più del pubblico.

Rams: di uomini e di pecore. E di antichi rancori

Di uomini e di pecore. E' un film sospeso, dove il tempo non ha ragione di passare, <Rams>: ibernato in una terra di nessuno come un vecchio e cieco rancore di cui forse si è perso persino il filo, la causa, la ragione. Intransigente quanto l'astio e rigido come le stagioni, incastrato in un luogo non luogo dove il Natale lo festeggi da solo: e ti fai pure il regalo. Un film di barbe lunghe, risentimenti antichi e spessi maglioni di lana: ma, più di tutto, un film curioso. Che al giorno d'oggi no, non è poco. Singolare (e ruvido) nell'ambientazione – un'Islanda rurale e isolata, finalmente né da spot né da cartolina, in cui il paesaggio è terzo, spesso scomodo, interlocutore tra i due protagonisti -, spigoloso e reticente nei caratteri, onesto nel raccontare una normalità e un quotidiano (se felicemente o no giudicate voi) fuori dal mondo e dall'omologazione.

Gummi e Kiddi sono due anziani fratelli che non si parlano da 40 anni: i pochi, rari e per nulla concilianti, messaggi se li scambiano grazie a un cane, improvvisato postino. Entrambi pastori, vivono per superarsi all'annuale premio per il miglior montone: ma un giorno, a causa del pericolo di un'infezione, il sistema sanitario gli intima di abbattere tutte le loro bestie...

Vincitore di <Un certain regard> all'ultimo Festival di Cannes (la giuria era presieduta da Isabella Rossellini) e candidato a miglior film dell'anno agli Efa, gli Oscar europei, <Rams>, nonostante una locandina e un sottotitolo (<storia di due fratelli e otto pecore>) fuorvianti che lo vendono come una commedia (quando invece, al di là di una certa paradossale ironia, il contesto è più che serio), è un dramma familiare dove riconoscere l'inutile ostinazione dell'odio e del livore, un film di stati d'animo, magari sin troppo elementare e scarno, ma efficace nel cogliere, in quella ostile solitudine, il rapporto esclusivo tra uomo e natura e tra uomo e animale. Che può anche risultare, improvvisamente, commovente.

Un cinema di piccole cose e di poche parole ma di sentimenti fondi, ancorati, essenziali eppure stratificati, quello di Grímur Hákonarson, 38enne islandese all'opera seconda: dove, prima che sia troppo tardi, nella tormenta che infuria è anche possibile ritrovarsi e riscoprirsi fratelli.

Freeheld: la battaglia civile del cinema lgbt

E' tempista più che bello, «Freeheld»: arriva nel momento giusto, nel pieno del dibattito, del confronto (spesso acceso, e non solo in Parlamento), sulle unioni civili, tra il ddl Cirinnà e l'ennesimo infortunio di Tavecchio. E parte da una semplice domanda, che galleggia tra le righe: perché le persone «lgbt» (un acronimo che sta per lesbiche, gay, bisessuali e transgender) non dovrebbero avere gli stessi diritti degli altri? Se lo chiede di continuo la piccola (un metro e 55 di star) Ellen Page, l'attrice di «Juno» e di «Inception» che, dopo avere fatto outing, sposa la causa interpretando e soprattutto producendo la storia vera (che aveva già dato vita a un cortometraggio poi premiato con l'Oscar) di Laurel Hester e Stacie Andree. La prima, brillante detective del New Jersey, scopre di essere malata terminale: ma prima di morire si batte sino all'ultimo perché la sua pensione vada alla compagna. Un caso che in America ha fatto scuola. 
Attuale e civile, «Freeheld» (che arriva nelle nostre sale dopo «Io e lei» e prima di «Carol», in una stagione dove il cinema delle donne che amano le donne recita una parte importante) è però diretto in modo ultra convenzionale da Peter Sollett e appare mediocre dal punto di vista drammaturgico per potersi davvero candidare a film-manifesto.
Le interpretazioni sentite delle due protagoniste (la stessa Ellen Page e Julianne Moore) non riescono a togliere alla pellicola - debole rispetto ad altri film dello stesso filone («Philadelphia» su tutti) - una patina da tv-movie. I«Freeheld», per quanto doloroso e commovente, si espone così al rischio del ricatto emotivo puntando a un facile consenso: con una concezione oltretutto vecchia che poco ha in comune con la tradizione (e il coraggio) del grande cinema dei diritti civili.